Arie Van Lysebeth était le Président du Jury du Concours Reine Elisabeth de 1996 à 2018. Il commence le violon à l’âge de quatre ans. Il s’est formé au Conservatoire de Bruxelles, où il a étudié l’écriture musicale, le basson, la musique de chambre et la direction d’orchestre. Après concours, il se voit octroyer le poste de basson soliste à l’Orchestre symphonique de la Radio-Télévision Belge. Deux ans plus tard, il devient premier lauréat ex-aequo du Concours International de Prague. Il se perfectionne ensuite en direction d’orchestre auprès de Bruno Maderna à Salzbourg et Pierre Boulez en Suisse. Depuis 1970, il dirige le Vlaams Kamerorkest, en Belgique et à l’étranger. En tant que chef invité, il s’est produit à la tête des grands orchestres belges, ainsi qu’aux États-Unis, en Argentine, à Taïwan, en Grande-Bretagne, en Italie et en Allemagne. Il a ainsi travaillé avec des solistes renommés tels qu’Igor Oistrakh, José Van Dam, Murray Perahia ou Augustin Dumay, parmi d’autres. De 1995 à 2004, il a également été le chef de l’Orchestre Symphonique du Conservatoire de Bruxelles. Pendant de longues années, il a été professeur de musique de chambre au Koninklijk Conservatorium de Bruxelles (1970-1994), dont il a assumé la direction de 1994 à 2003. De 2004 à 2014, Arie Van Lysebeth a par ailleurs été directeur artistique de la Chapelle Musicale Reine Elisabeth.

Toshio Hosokawa est né en 1955 à Hiroshima. Il étudie la composition avec Isang Yun à la Hochschule der Künste de Berlin et avec Klaus Huber à la Hochschule für Musik de Fribourg. En 1980, il participe pour la première fois à l’Internationale Ferienkurse fur Neue Musik à Darmstadt. Depuis lors, ses compositions ont été commandées par les orchestres, les festivals et les maisons d’opéra les plus réputés d’Europe, d’Amérique et d’Asie.

Nombre de ses oeuvres ont été créées par des chefs renommés comme Kazushi Ono, Jun Märkl, Kent Nagano, Sir Simon Rattle et Robin Ticciati : parmi ces oeuvres, on peut citer Hanjo, son deuxième opéra commandé par le Festival d’Aix-en-Provence en 2004, mais aussi sa pièce pour orchestre Circulating Ocean, créée par le Wiener Philharmoniker au Festival de Salzbourg en 2005, ou encore Woven Dreams, oeuvre orchestrale composée pour le Festival de Lucerne et le Carnegie Hall et pour laquelle il a obtenu l’International British Composer Award en 2013. En 2011, deux autres oeuvres majeures de Toshio Hosokawa furent créées : son troisième opéra Matsukaze à la Monnaie et son Concerto pour cor, Moment of Blossoming, interprété par le Berliner Philharmoniker. En 2013 au Festival de Salzbourg, plusieurs de ses oeuvres dont deux créations ont été jouées : Klage pour soprano et orchestre et Ancient Voices pour quintette à vent. D’autre part, il a remporté le Prix Otaka pour la troisième fois en 2014 grâce à son concerto pour trompette Im Nebel.

Dans ses travaux récents, Toshio Hosokawa s’est beaucoup attelé à décrire les rapports entre la nature et l’être humain, composant des oeuvres qu’il présente comme des prières et des requiems. En 2014, ses oeuvres ont été créées les unes après les autres : Aeolus, Fluss, Drei Engel-Lieder… En 2015, la pièce Nach dem Sturm pour deux sopranos et orchestre lui fut commandée pour le 50ème anniversaire du Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra. En 2016, son dernier opéra Stilles Meer (texte original et mise en scène d’Oriza Hirata), décrivant la ville de Fukushima plusieurs années après le tremblement de terre qui a ravagé l’est du Japon en 2011, obtient un franc succès auprès du public.

En 2001, Toshio Hosokawa est devenu membre de l’Akademie der Künste de Berlin. Il a été compositeur en résidence pour l’Orchestre symphonique de Tokyo de 1998 à 2007 et pour le Deutsches Symphonie-Orchester en 2006/2007, mais aussi pour le WDR Rundfunkchor durant les saisons 2006-2008 et pour le Nederlands Philharmonisch Orkest en 2013/2014. En 2012, il a été élu membre de la Bayerische Akademie der Schönen Kunste de Munich, et il a reçu la Médaille d’honneur avec le ruban pourpre du Gouvernement du Japon la même année.

Actuellement, il est directeur musical du Takefu International Music Festival et professeur invité au College of Music de Tokyo et à l’Elisabeth University of Music de Hiroshima.

À chaque nouvelle création, Michael Jarrell complète son autoportrait de compositeur, reflet d’une quête constante de clarté et de précision.

Michael Jarrell a étudié la composition dans sa ville natale, Genève, avec Eric Gaudibert. Il a également suivi plusieurs masterclasses à Tanglewood, et a complété sa formation avec Klaus Huber, à Fribourg. Entre 1986 et 1988, il est résident à la Cité des Arts à Paris et prend part au cours d’informatique musicale de l’IRCAM. Il réside ensuite à la Villa Médicis à Rome, de 1988 à 1989, où il rejoint l’Istituto Svizzero di Roma, en 1989-1990. Ayant également étudié les arts visuels, son oeuvre est fortement influencée à la fois par la musique d’Edgar Varèse et l’art d’Alberto Giacometti. Une autre caractéristique de son travail est le lien entre la créativité musicale et la pensée visuelle : ses Assonances, sur lesquelles il travaille depuis 1983, sont présentées comme un carnet d’esquisses. Sa première oeuvre importante pour l’électronique, Congruences (1989), a elle aussi été inspirée par les éléments spatiaux et géométriques, tels que le niveau, la perspective, l’anamorphose et la figure, qu’il transforme en entités musicales temporelles. Certains aspects de l’oeuvre de Jarrell - tels que la clarté des textures sonores complexes, un certain purisme dans la réutilisation du matériau, l’ingéniosité de ses harmoniques - invitent au rapprochement avec le son des compositeurs français.

Ses compositions récentes comprennent La Chambre aux échos, composée pour l’Ensemble intercontemporain à l’occasion du 85e anniversaire de Pierre Boulez, en 2010, et ...Ombres... (2011) pour orchestre. 2012 voit la création, à Salt Lake City et Lyon, de son concerto pour violoncelle Émergences (Nachlese VI), dédié à Jean-Guihen Queyras, et le cycle de mélodies Nachlese Vb, à Genève et à New York. En 2013 a lieu la première mondiale de son monodrame Siegfried, nocturne (pour voix d’hommes et ensemble), au Festival Wagner de Genève, et, en janvier 2014, celle de son concerto pour piano Reflets avec Nicolas Hodges, au Festival KlangZeit à Münster. Michael Jarrell s’illustre également dans le répertoire scénique. En 1994, il compose le monodrame Cassandre, dans lequel il combine électronique et timbres classiques, et, en 2006, l’opéra Galileo, d’après la pièce de Bertolt Brecht. En 2010, sa musique pour la pièce Le père, d’après Heiner Müller, a été créée au Festival de Schwetzingen. Au début de cette saison, le Quatuor Arditti et le Bamberger Symphoniker, sous la direction de Jonathan Nott, ont donné la première mondiale de son nouveau concerto Spuren, pour quatuor à cordes et orchestre, au Festival Musica à Strasbourg. Cette oeuvre a été donnée récemment à Vaduz, au Liechtenstein, et à Lucerne, avec l’Orchestre symphonique de Lucerne. Actuellement, Michael Jarrell travaille sur un concerto pour alto, pour Tabea Zimmermann.

Michael Jarrell a reçu de nombreuses récompenses, dont le Prix Acanthes (1983), le Prix Beethoven de la ville de Bonn (1986), le Prix Marescotti (1986) et le Siemens-Förderpreis (1990). En 2004, il a été nommé Chevalier des Arts et des Lettres en Suisse. Il est professeur de composition à l’Université de Vienne, depuis 1993, et au Conservatoire de Genève, depuis 2004.

Né à Lagos (Nigeria), Hanspeter Kyburz entreprend ses études de composition tout d’abord à Graz, avec A. Dobrowolsky et Gösta Neuwirth, puis, à Berlin, de 1982 à 1990. Outre la composition, il y étudie la musicologie, l’histoire de l’art et la philosophie. Quelques années plus tard, il sera boursier de la Cité Internationale des Arts à Paris. Prix Boris Blacher (1990), Prix Schneider-Schott (1994), lauréat de l’Akademie der Künste de Berlin (1996), Prix de la Fondation Ernst von Siemens (2000), il est, depuis 1997, professeur de composition à la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlin. Il enseigne également à Darmstadt en 1998, à la Musikhochschule de Bâle, de 2000 à 2002, et au Festival Acanthes (Metz) en 2010. Il a composé des oeuvres pour des festivals et des séries de concerts en Allemagne et à l’étranger : Berlin (Ultraschall), Bruxelles (Ars Musica), Cologne (Musik der Zeit), Donaueschingen, Frankfurt am Main, Graz (Steirischer Herbst), Londres, Lucerne, New York, Paris, Stuttgart (ECLAT), Vienne (Wien modern), Witten (Tage für neue Kammermusik), Zurich (Tage für neue Musik), etc.

Depuis de nombreuses années le compositeur Claude Ledoux s’inscrit dans l’idée de “traverses musicales” et tente d’imprimer la marque de notre monde fragmenté au sein de son écriture. Dès lors, son oeuvre se définit non seulement à la croisée des musiques de tradition écrite, étudiées auprès des Pousseur, Rzewski, Ligeti et Xenakis, et des musiques populaires, mais aussi à la jonction des musiques non-européennes, qui l’attirent depuis l’adolescence, et des nouvelles technologies - échos des recherches effectuées aux studios de Liège et de l’Ircam (Paris). Ainsi, ses pièces récentes manifestent-elles ce désir de “porosités culturelles”, là où l’émotion provient de rencontres géographiques et trans-historiques, inscrites sur un axe qui relie la spiritualité à notre matérialité la plus manifeste.

Passionné par les musiques du monde, il a notamment parcouru l’Orient à de multiples reprises - Japon, Vietnam, Cambodge, Indonésie et Nord de l’Inde - afin de nourrir son oeuvre. En tant que compositeur, il est lauréat de nombreuses distinctions dont celle de la Fondation Civitella Ranieri de New York. Depuis, ses compositions sont jouées régulièrement sur les cinq continents. En 2009, il a composé l’imposé pour la demi-finale du Concours Reine Elisabeth. 2012 l’a vu actif en qualité de directeur artistique et de compositeur en résidence au Festival Ars Musica. De nouvelles oeuvres en relation avec l’Orient auront vu le jour ces dernières années : Crossing Edges pour erhu et orchestre, Echoes of Crossing Edges pour le Shanghai Sinfonietta, et Euridice effacée, commande de l’Ensemble Muromachi de Tokyo. Outre la composition de pièces instrumentales, 2016 poursuivra ce périple avec des créations pour orchestre et instrument soliste sur des thématiques d’Extrême-Orient, ainsi qu’une fresque pour chant et instruments qui sera créée au Japon dans le cadre du 150e anniversaire des relations entre ce pays et la Belgique.

Membre fondateur et Directeur artistique de l’Ensemble LAPS, formation récente mixant les laptops aux instruments acoustiques, il est aussi l’auteur de nombreux articles sur la création musicale. Professeur d’Analyse Théorique et appliquée au Conservatoire de Paris (CNSMDP) et de Composition au Conservatoire Royal de Mons / Arts2 (Belgique), il a aussi enseigné ces matières lors de séminaires donnés aux Universités de Campinas et de São Paulo (Brésil) ainsi qu’au Conservatoire de Shanghai (Chine). Depuis 2005, il est membre de l’Académie Royale de Belgique.

Tristan Murail est né en 1947. Compositeur, interprète sur ondes Martenot, il est également licencié en économie et diplômé en arabe classique. Il a étudié la composition dans la classe d’Olivier Messiaen au Conservatoire de Paris (CNSM), de 1967 à 1971. Pensionnaire de la Villa Médicis à Rome, de 1971 à 1973, il rencontre Giacinto Scelsi qui l’impressionne profondément.En 1973, il collabore à la fondation de l’ensemble L’itinéraire, collectif de compositeurs et d’interprètes qui cherchent à développer de nouvelles relations entre instruments et moyens électroniques. Dans le cadre de l’Ircam, mais également de façon indépendante, il travaille à la mise au point d’un système de composition assistée par ordinateur. De 1991 à 1997, Tristan Murail enseigne la composition au Conservatoire de Paris et à l’Ircam, tout en continuant à participer à des conférences et à des séminaires internationaux. Il vit actuellement à New York, où il occupe la chaire de composition à l’Université de Columbia. La musique de Tristan Murail est basée sur les propriétés physiques, acoustiques du son lui-même, plutôt que sur les théories abstraites ou artificielles. Le catalogue du compositeur comprend des œuvres pour orchestre, de la musique de chambre, des œuvres pour petits ensembles et des solos.

Frederik van Rossum est né à Bruxelles. Depuis son Premier Grand Prix de Rome, en 1965, ses oeuvres lui ont valu de nombreux prix internationaux. Ainsi à Paris, en 1981, son Réquisitoire pour cuivres et percussions remporta le Premier Prix à la Tribune internationale des Compositeurs de l’UNESCO. Son premier concerto pour violon et orchestre fut l’imposé du Concours Reine Elisabeth, en 1980. Cette partition fit l’objet de cinq réalisations discographiques différentes. En 1988, le Concours Reine Elisabeth lui commande l’imposé pour la demi-finale de la session de chant (Aria a modo di vocalizzo). Brillant orchestrateur, van Rossum a écrit de nombreuses oeuvres orchestrales, avec ou sans solistes. Il s’est tourné également vers la musique de chambre, la musique de scène et l’opéra. Le catalogue de ses oeuvres pour piano est aussi très riche et varié. Il a dédié à cet instrument qui est le sien et où il excelle, des partitions dont certaines occupent dans l’ensemble de son oeuvre une place capitale. Frederik van Rossum est membre de l’Académie royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique. Il a été désigné par le Festival de Flandre comme compositeur en résidence, de 1995 à 2000.